Ренессанс для Живого Кино

VR и AR могут занять все заголовки, но прогрессивное поле живого кино и аудиовизуального искусства не менее важно и интересно

В «Nature's Nickelodeons» Джейсон Сингх вживую исполняет видео, вырезанное Эми Катлер.

Шеффилдский Док / Фест в этом году гордился своей эклектичной программой: всеобъемлющие функции verité, жесткие расследования, музыкальные исследования и необычные короткометражные фильмы - иногда немного неловко, как тесные пассажиры на лондонской трубе.

Но одно из самых причудливых предложений не было даже фильма, по сути - это было кинематографическое представление под названием «Никелодеоны природы». Режиссер / географ Эми Катлер объединил кадры из огромного количества документальных фильмов о дикой природе, которых тщательно отобранным музыкантам было поручено «оживить», сыграв живые партитуры, созданные специально для этого случая.

В ночном клубе Leadmill в Шеффилде зрители посмеивались, когда битбоксер Джейсон Сингх подражал отрыжкам японских прыгунов синхронно с изображениями, спроецированными за сценой. Когда сцена сменилась гризли на крысах, роящихся над большим экраном, скрипы и царапины грызунов поднялись со всех сторон; «Дикий хор» во главе с Филом Минтоном проник в толпу, чтобы создать впечатление от старой школы объемного звучания.

Вдохновение Катлера на эту пьесу, которая содержала шесть различных разделов, пришло из заброшенного плана Уолта Диснея представить документальные фильмы о природе в зоопарках, в сочетании с ее исследованием того, как блокбастеры, такие как Планета Земля, влияют на наши эмоции.

«От дрянного и дрянного до дергания за сердечные струны трудно придумать формат, который больше вращается вокруг манипулирования обращением аудитории», - говорит Катлер. «Почему так важно вмешиваться в идею документального фильма о природе - часто наиболее пассивно потребляемой формы повествования о природе - и привлекать внимание к его социальной жизни, как, прежде всего, живому опыту?»

Халик Алах, нью-йоркский фотограф, объединился с музыкантом Гайкой для арт-док гибрида «Черная мама».

Для многих главных героев живого кино - не ограничиваясь природными документами - ответом является насущная экономическая необходимость в разработке новых, захватывающих стимулов, которые привлекают людей на независимые кинотеатры в эпоху Netflix.

Пуристы будут утверждать, что нет ничего лучше святой магии и величия настоящего кинотеатра, но высококачественное потоковое вещание по требованию в сочетании со все более доступными домашними развлекательными системами представляет собой более удобную и удобную альтернативу для цифрового поколения.

«В эпоху Netflix существует насущная экономическая необходимость в разработке новых, захватывающих стимулов, которые привлекают людей к фактическим, независимым кинотеатрам».

На «Шеффилдском доке / фесте» «Nature's Nickolodeons» была частью более широкой живой программы. Помимо одновременного исполнения саундтрека, включая композицию Gaika для завораживающего гибрида Black-Mother фотографа Халика Алаха (см. Выше), за несколькими фильмами последовали концерты - например, Tranny Fag, рассказывающий историю загадочного бразильского транс-певца Линн Да Кебрада, которая, казалось бы, телепортировалась из Сан-Паулу за пределы экрана, чтобы играть за шумную толпу в Abbeydale Picture House.

«Это был год для живого кино - чтобы показать людям, где мы хотим провести фестиваль», - сказал Люк Муди, главный программист в Шеффилде. «Коммерческие объекты не имеют возможности экспериментировать и рисковать, поэтому мы пытаемся что-то попробовать и доказать экспонентам, что эти идеи могут работать».

Муди не слишком обеспокоен эффектом Netflix.

«Мы смехотворно избалованы, потому что в Интернете можно найти что угодно, но люди жаждут альтернатив», - пояснил он. «Красота любого события - это опыт общения с другими людьми - тела, вибрирующие от эмоций, головы, кивающие музыке. Это тот гул движения.

Впервые на фестивале doc состоялся саммит Live Cinema Summit, организованный его одноименной родительской организацией Live Cinema UK, которая также сотрудничает с художниками и проводит отраслевые исследования.

Отчет за 2016 год показал, что 48 процентов из 576 независимых экспонентов фильмов (за исключением мультиплексов) принимали живые мероприятия, широко определяемые как «показы фильмов, дополненные синхронным живым выступлением, определенными для сайта местами, технологическим вмешательством, участием в социальных сетях и всевозможными одновременными интерактивными моменты, включая пение, танцы, еду, питье и обоняние ». Более половины из этих событий были связаны с исполнением саундтрека.

Процесс создания культурного органа для эффективной институционализации сектора живого кино является увлекательным событием: он не только предоставляет финансовую поддержку, исследует каналы распространения и проводит исследования, но и позволяет кураторам и практикам гибридных форм, которые часто не поддаются четкой классификации, соберитесь вокруг своего флага - и это именно то, что произошло на саммите в Шеффилде.

Для междисциплинарных создателей наличие привлекательной для рынка этикетки для наклеивания на пористую серую область между кинематографом, музыкой, театром и изобразительным искусством, а также организация по активному питанию этого интригующего пересечения культурного ландшафта - это убедительная идея.

«Хотя все больше людей начали ценить и понимать его за последние 10–15 лет, он все еще находится между этими трещинами с точки зрения устоявшихся культурных пространств», - сказал Кристофер Томас Аллен, художник по аудиовизуальным средствам, работающий над живыми AV с 1990-х годов. с его коллективом Светлых Хирургов.

«Ожидается визуальное сопровождение большого количества музыки, - продолжил он, - поэтому музыкальное видео и видео стали своего рода повседневным словарным запасом; люди создают свои собственные СМИ. Живой кинотеатр имеет так много щупальцев, что делает его интересным, но и трудным для определения ».

Исполнитель на фестивале Сплайс, Лондон, 2018.

Три года назад Аллен был основателем лондонского фестиваля Splice (вверху). В отличие от фильма в Шеффилде, он выступает за другого ключевого игрока в аудиовизуальном исполнении: «VJ» - простой сокращенный вариант для визуального эквивалента ди-джея. Вообще говоря, роль VJ состоит в том, чтобы создавать изображения, которые в точности соответствуют звукам группы, сольного исполнителя или селектора в реальном времени и все чаще воспринимаются в тандеме с самой музыкой.

Эта дисциплина быстро завоевала признание, что может подтвердить само существование Splice. В целом, на крупных площадках и фестивалях были установлены мощные проекторы или гигантские светодиодные экраны, которые увеличивают производительность, и некоторые промоутеры начинают предоставлять VJ такие же счета, как и их музыкальным аналогам. В Южной Америке ZZK Records подписали контракт с цифровым артистом Фиделем Элюри, который гастролирует по всему миру со своим товарищем по эквадорскому лейблу Николой Крузом, любителем электро-фолк-сцены.

Ближе к дому общеевропейская сеть AVNode стала жизненно важной связью для аудиовизуального сообщества, используя средства ЕС для поддержки 36 фестивалей в дюжине стран, включая Splice. Другой - Римский фестиваль живого кино, который в 2016 и 2017 годах проходил в музее МАКРО - месте, которое символизировало растущее признание живого AV в институциональной сфере современного искусства.

«В течение многих лет это происходило в основном на подпольных вечеринках и рейвах, но теперь мы выходим из тени», - сказал мне венгерский VJ Габор Китцингер на мероприятии в Риме 2016 года. Он определил переломный момент примерно где-то в 2008 году, когда видео-карты зданий начали набирать обороты - толкая динамическую визуальную субкультуру в глазах общественности.

Поклонники живой музыки Diehard с циничным характером могут утверждать, что VJ просто компенсируют отсутствие зрелищ на сцене во время электронных концертов, где компьютеры обычно являются основным инструментом. На некоторых концертах союз между звуком и визуалом может показаться немного ненадежным, но самые продвинутые сторонники глубоко интегрируют кинематографическое повествование в перформативную среду.

Мэтью Герберт, Кристофер Томас Аллен и другие выступают в Splice, 2018.

В этом году в издании Splice композитор Мэтью Герберт сотрудничал с Кристофером Томасом Алленом и другими (выше), чтобы представить пьесу, созданную на основе звуков и изображений механика, систематически разбирающего Ford Fiesta. Поскольку извилистые поршни и грохочущие молотки были связаны в антиутопическую звуковую панораму с жуткой трубой Байрона Валлена, плавающей над хаосом и блестящими визуальными эффектами на экране, было легко понять намерение художника: убойная метафора для Брексита.

В 2016 году Герберт создал специальную работу для увлекательной кинотеатра Рона Арада «Занавес» в лондонском Roundhouse; в нем была электронная симфония звуков, издаваемых обнаженным телом в течение 24 часов, в сочетании с абстрактными телесными изображениями, излучаемыми на 360-градусный проницаемый экран, состоящий из 5600 силиконовых кабелей.

Студия United Visual Artists разработала концепции AV для основных музыкальных произведений, таких как Massive Attack, чье шоу в прямом эфире оснащено светодиодными дисплеями, которые собирают данные в режиме реального времени, отображая их в яркой визуальной матрице, которая предлагает зрителям созерцать конфиденциальность, цензуру и права человека. UVA также сотрудничали с поп-певцом Джеймсом Блейком, чтобы создать интерактивное сценическое шоу со световыми рисунками и изображениями, созданными музыкантами его группы.

Оглядываясь назад, Стив Рейх - еще один современный музыкант, который раздвинул границы с такими проектами, как его видео-опера «Три сказки» (2002), в сотрудничестве с режиссером Берил Корот. В открывшемся движении «Гинденберг» текст из новостных статей смешивается в леденящий хоровую партитуру, сопровождаемый душераздирающими изображениями одноименного дирижабля, сгоревшего в огне в 1937 году. И последний раздел «Долли» исследует клонирование животных, вращая звуковые фрагменты ученого в полифоническое аудиовизуальное лоскутное одеяние, которое рассказывает историю этой знаменитой овцы.

Этот космический синтез совместного производства фильма и его музыки в едином органическом творческом процессе может стать панацеей для живого кино как формы искусства. Это выходит за рамки идеи простого приглашения композитора написать саундтрек или добавления живой записи к немому фильму - что, конечно, было первоначальным воплощением живого кино в начале 20-го века.

Идея создания экспериментальных событий вокруг фильма фактически восходит к 1950-м и 60-м годам, когда термин «расширенное кино» был придуман экспериментальным режиссером Стэном ВанДербиком - партнером авангардных икон, таких как Джон Кейдж и Мерс Каннингем. Трио сотрудничало с Variations V (1966), в котором были представлены многоэкранные проекции, сопровождающие танцевальные движения, которые запускали звуковые сенсоры, которыми манипулировали музыканты.

Другими известными художниками, связанными с этим новаторским кроссовером, являются Nam June Paik, Joan Jonas и Phill Niblock, чей фонд Experimental Intermedia назван термином, обычно используемым для описания аудиовизуальной работы в институциональной экосистеме музеев и галерей.

Необходим ли такой формальный язык и структура для подтверждения формы искусства? Конечно, нет, но все равно это часто случается. Принципиальное различие между эпохой расширенного кинематографа и сегодняшним днем ​​заключается в технологиях: точно так же, как это бросает вызов кинобизнесу с Netflix и плазменными экранами, доступность творческих инструментов и цифровое распространение нивелировали игровое поле во многих отношениях.

«Люди возвращаются к средствам производства, а не ко всем, которые опосредованы крупными институтами и корпорациями, которые чрезвычайно медленны и защищены», - сказал Кристофер Томас Аллен. «Теперь вы можете купить мощный проектор, построить собственный экран, осветить здание с помощью видеокарты. Фильм сбежал из кинотеатра ».

Возможно, Интернет взломал институциональные ворота, устранив ключевые экономические и физические барьеры для открытия (или освобождения) работы; это никогда не было так легко увидеть или увидеть. И, по мере того, как крепкие связи постепенно развиваются между истеблишментом изобразительного искусства, независимой аудиовизуальной областью и традиционной киноиндустрией, это волнующий момент сближения для мира живого кино.

Фредерик Бернас - режиссер, журналист и музыкант, живущий между Латинской Америкой и Лондоном. Его Твиттер @frederickbernas.

Эта статья была первоначально опубликована The Quietus 11 августа 2018 года.

Все фото: предоставлено Sheffield Doc / фестиваль Fest and Splice.